欧美音乐的发展史
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发布时间：2022-04-21 05:13
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时间：2022-06-18 04:05
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音乐的发展与变化
第一目“19世纪的音乐流派与杰作”，教材主要阐述了19世纪音乐发展的社会背景以及欧洲浪漫主义音乐的流派与杰作和美国音乐的代表人物及其作品。
1.19世纪音乐发展的社会背景。
第一，欧洲资本主义的进一步发展促使文艺格局的面貌发生了变化。19世纪上半期欧洲一些国家如英、法、德意志、意大利、奥地利等国都在不同程度地进行工业*，大机器生产推动了资本主义的进一步发展，资本主义力量日益壮大。资本主义经济的发展促使音乐艺术逐渐从封建主义的束缚和教会的压抑下解放出来，开始走向更广阔的社会阶层，更深刻地表现人性，反映更加丰富的社会生活。
第二，各国面临不同的社会问题使音乐的发展呈现出多样性和民族性。19世纪的欧洲经历了拿破仑战争、维也纳体系的建立、1848年*、19世纪六七十年代的资产阶级*和改革等重大事件，这期间由于国情不同各国亟待解决的社会问题也有所不同：法国需要进一步深化和巩固资产阶级*已取得的成果；德意志、意大利需要完成国家的统一；*需要消灭农奴制发展资本主义。而东欧地区许多弱小和落后的国家则要完成反抗外来压迫反对本国封建统治的民族民主*的任务。在这种形势下，具有民主主义思想的音乐家把对现实的不满和困惑以及自己的追求倾注在音乐的创作中，使音乐的发展呈现出了多样性和民族性。
2.19世纪的音乐流派与杰作。
第一，欧洲浪漫主义音乐。教材介绍了浪漫主义音乐的兴起和发展、主要特点以及代表人物及其作品。
1）兴起和发展。浪漫主义音乐是在浪漫主义文学的影响下于19世纪初兴起，以奥地利和德意志为中心。19世纪中期走向鼎盛时期。
2）主要特点。浪漫主义音乐与19世纪以前的古典主义音乐不同。古典主义音乐崇尚理性、重视规范、要求感情的节制和形式，而浪漫主义音乐一则着重感情的抒发和个性化的心理刻画、注重音乐中的诗情画意，感情热烈而奔放。二则在音乐作品中大量弘扬民族特性，形成了各具特色的民族乐派。
3）代表人物及其作品。
浪漫主义音乐家灿若群星，他们给后人留下了许多不朽之作。德意志的贝多芬是维也纳古典乐派及向浪漫主义乐派过渡时期的代表，有“乐圣”之称。其作品题材十分丰富，有钢琴奏鸣曲、交响乐和室内乐等，如《悲怆》《月光》《田园交响曲》《英雄交响曲》《命运交响曲》等都被列入世界名曲。奥地利的舒伯特不到20岁就开始了自己的音乐创作生涯。一生创作了600多首艺术歌曲，被称为“歌曲之王”。《小夜曲》是其代表作品之一。此外还创作了交响乐、室内乐和钢琴音乐等作品。奥地利的小约翰·施特劳斯不到7岁就写出了第一首圆舞曲，他创作的《蓝色多瑙河》《春之声》《维也纳森林的故事》等圆舞曲闻名于世，有“圆舞曲之王”之称。法国的柏辽兹是浪漫主义标题交响曲的创立者，代表作品是《幻想交响曲》。这是一部有文学标题的、浪漫主义的和带有自传性的作品，它的副标题是“一个艺术家的生活片断”，五个乐章的情节线索通过比较详细的文字标题提供给听众。《幻想交响曲》受到贝多芬的《田园交响曲》的很大影响，表现出更鲜明的浪漫主义特征。
浪漫主义音乐在歌剧中也取得了辉煌成就。意大利罗西尼的作品旋律优美、技艺精巧。他还是美声唱法的开创者。威尔第的音乐作品具有崇高的爱国主义思想、富有民族特色，对当时意大利民族意识的觉醒起了巨大作用，人们尊称他为“意大利*的音乐大师”。其代表作品《茶花女》是名扬世界的巨作。普契尼的音乐除直接采用各国民歌外，还善于使用新手法。如《图兰朵》中就采用了中国民歌《茉莉花》。代表作品还有《蝴蝶夫人》等。法国的比才的代表作品《卡门》是世界最优秀的歌剧作品之一，淋漓尽致地体现了法国音乐追求精巧形式的特征，具有鲜明的浪漫主义色彩。德意志瓦格纳的作品极有独创性。他用近20年的时间完成的巨作《尼布龙根的指环》具有鲜明的德意志民族特色。
第二，民族乐派：民族乐派出现于19世纪中后期的*和东欧地区。民族乐派的作曲家在音乐创作中着重以本民族的民歌、民间舞曲为素材，采用本民族的英雄史诗、神话传说和人民解放斗争事迹为题材，并且将民族音乐的鲜明特点和古典主义音乐的优秀传统以及浪漫主义音乐的艺术风格紧密地结合起来，创作出大量既有独特艺术个性和民族感情，又有强烈艺术生命力的作品。他们通过自己的音乐创作，热情地歌颂自己伟大的祖国、民族和人民，反映了他们的爱国主义思想和内心强烈的民族责任感。*民族乐派的主要代表人物是“俄罗斯音乐之父”格林卡和“俄罗斯乐圣”柴可夫斯基。格林卡是俄罗斯民族乐派的奠基人。他创作的*第一部民族歌剧《伊万·苏萨宁》描写了一位*农民把波兰军队引入歧路而光荣牺牲的故事，是一部爱国主义的歌剧。柴可夫斯基的作品着重内心刻画，旋律和配器富于表现力。《天鹅湖》《胡桃夹子》至今仍焕发着生命力，受到人们的喜爱。
第三，美国音乐的发展：19世纪末，美国经历了南北战争和第二次工业*，迅速成为资本主义强国。经济的发展给人们带来丰富生活的同时也促使音乐的长足发展。福斯特的歌曲《淡褐色头发的珍妮》、苏萨的进行曲《星条旗永不落》等作品，既表现了美国国力不断上升时的情怀，也体现出美国文化的多元融合特点。
教学建议：19世纪的音乐以浪漫主义音乐为主。教材介绍了各流派的代表人物及其杰作，它们几乎都是世界级音乐大师和世界名曲。建议教师在教学中可以选择播放风格不同的几个音乐片段，让学生体会音乐的语言并在鉴赏中比较分析其特色和浪漫主义音乐的共同特点。
第二目“20世纪世界的音乐发展”主要介绍了流行音乐的发展和当代世界音乐的发展方向。
1.20世纪现代主义音乐兴起。20世纪世界经济的迅速增长和第三次科技*的迅猛发展，不断改变着人们的生活、心理和思维方式，这些推动了音乐的进一步发展，现代主义音乐兴起。在众多的流派中，流行音乐脱颖而出。
2.流行音乐的发展及评价。
第一，流行音乐发展的三个阶段。（1）一战后至二战前流行音乐的主流是爵士乐（Jazz）。爵士乐是十九世纪末二十世纪初发源于美国南部新奥尔良的一种流行音乐，是美国黑人从非洲带来的传统音乐与欧洲音乐长期融合的产物。爵士乐风格多样、节奏性强，主要乐器是小号。爵士音乐不仅影响了其他流行音乐的形式，也影响了严肃音乐的创作。（2）二战后的流行音乐中有摇滚乐、蓝调和新的爵士乐“比博普”。其中摇滚乐（Rock&Roll）成为主流，原因有二：一是二战后音乐中电子技术的发展；二是新时代大众心理和思维方式的变化，尤其是青少年对突破传统的渴望。摇滚乐源于美国，是黑人音乐的节奏与白人乡村音乐和西部音乐的有机结合。摇滚乐强烈的节奏、以爱情为主题且简单直白的歌词以及演奏者身背吉他边歌边舞的演唱形式、奇特的装扮强烈地吸引着战后的新一代青年。摇滚乐的代表人物是美国的“猫王”普莱斯利。英国的“甲壳虫”摇滚乐队也是风格独特的摇滚乐代表。他们的演奏对以后的摇滚文化产生了巨大影响。当时人们对摇滚乐的评价不一。【学思之窗】提供了不同的说法。教师可以组织学生进行讨论。（3）70年代以后，音乐风格更加多样，表现在具有即兴性、强调借助和运用电子手段、注重话筒的操纵技术、商业化倾向日趋明显。流行音乐的发展日益走向繁荣。
http://www.pep.com.cn/200410/ca530587.htm
回答者： chinmin_2008 - 首席运营官 十* 6-1 21:40
参考资料：http://zhidao.baidu.com/question/8011278.html
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时间：2022-06-18 04:05
二战结束以来，美国流行音乐占据了整个世界。布鲁斯、爵士乐、摇滚乐、索尔音乐和其他更多的形式充斥全球的每个角落，对各国流行乐坛带来巨大的冲击。其实，所有的这些"美国"形式，实际上都是非洲血统的基因转移，是贩奴时代流传到北美的节拍。当这些节奏稍略加工以后以新的形式回到他们的故乡时，又影响了曾经孕育他们的文化并诞生了令人兴奋的混血品种--世界音乐。80年代世界音乐对西方流行音乐的发展带来了极大的影响。有趣的是这种影响却是一种循环关系：非洲的黑人文化作为流行音乐的源泉使其迅速发展这是有目共睹的，然而当这种美国形式的流行音乐回到非洲时又促使了世界音乐的诞生。80年代，当世界音乐的影响逐渐扩大，世界各地（特别是亚非地区）的音乐家便通过各种先进手段充分体现了更加前卫的当代意识，从而又返回来促进了流行音乐的发展。因此，我们可以明显地看到世界音乐并不是孤立存在的，它是一种流行音乐、民族音乐甚至传统音乐相结晶的混合体。
一、雷盖音乐
1、概述
雷盖音乐（Reggae，港台地区又译"雷鬼音乐"），60年代中期起源于牙买加，速度中等，强调反拍的重音是它的明显特征。
雷盖音乐从洛克斯代迪（Rocksteady）音乐演变而来，而洛克斯代迪音乐又是斯卡（Ska）音乐的延续，这三种音乐的根源都是加勒比海的非洲音乐传统、神圣的复兴主义以及美国的节奏布鲁斯。
50年代中期，美国的节奏布鲁斯通过迈阿密、新奥尔良、孟菲斯等地的广播电台传入牙买加后，当地的一些音乐家便将其与牙买加的民间音乐曼图（Mento）相融合，逐渐形成了斯卡音乐。斯卡音乐的速度较快，节奏强调反拍的重音，乐队中除了采用传统的曼图音乐的乐器（如木吉他、各种拉美打击乐器）外还加入了铜管乐、电吉他、电贝司和键盘等乐器，并突出铜管的华丽色彩。斯卡音乐流行于1960至1965年之间，到60年代中期逐渐演变为洛克斯代迪音乐。洛克斯代迪音乐与斯卡音乐相比，它的速度明显放慢，节奏及织体更为细腻丰富；其乐队完全采用节奏布鲁斯的组合方式，将吉他作为节奏乐器，用切音技巧演奏松驰而富有韵律的节奏音型；贝司声部的旋律也更具独立性，与华丽的主唱声部构成对位。60年末，洛克斯代迪音乐又发展成更具国际性的雷盖音乐。实际上，很难在洛克斯代迪音乐和雷盖音乐之间划出明显的界限，只是雷盖音乐比洛克斯代迪音乐更为细腻，更多地使用电声乐器和更加国际化、商业化而已。
雷盖音乐的表现内容与当地穷苦人信仰的拉斯塔法里教（Rastafari）有着密切联系。该教派崇拜埃塞俄比亚前皇帝海尔·塞拉西一世，把他当作神，当作黑人的救星，教派即因他在登位前被称为塔法里亲王而得名。雷盖音乐经常表达拉斯塔法里教的*思想，表达牙买加被压迫群众的心理，梦想有一天获得解救，重返非洲故乡--他们的地上天堂。雷盖音乐的代表人物是鲍勃·马利，他使雷盖音乐广泛流传开来，成为一种具有世界影响的流行音乐形式。
2、鲍勃·马利（Bob Marley，1945-1981）
鲍勃·马利，1945年出生于牙买加，是英国海军白人军官和黑人女仆的儿子，从小在贫民窟里长大，青少年时，鲍勃·马利除了信仰拉斯塔法里教以外，还受到60年代美国"黑*利"（black Power）理论的影响。音乐方面，鲍勃·马利对黑人摇滚乐、纳特·金·科尔（Nat King Cole，1915-1965）那种风格的"白人"爵士，以及索尔音乐等都同样喜欢。当然，斯卡音乐更是他后来音乐发展的重要基础。
1965年，鲍勃·马利组织了"恸哭者"（The wailers）乐队，他们的早期作品歌词比较"稚嫩"，反映了他们"在牙买加贫民窟度过的童年以及作为失业青少年的生活"。不久，马利转向简单的、*上更加激进的牙买加街头语言，如《起来，站起来》（Getup，Stand up）的歌词："起来，站起来，为你的权利站起来。起来，站起来，决不要放弃战斗"。《我向*射击》（I Shot the Sheriff）叙述一个黑人不公正地遭到*的故事。这两首歌曲都出自专辑《燃烧》（Burning），《燃烧》的主题就是"与*有关的火"。另一张专辑《起义》（uprising）后来分别成为在牙买加、伦敦和南非*乱者的战斗呼声。因此《牛津流行音乐之友》写道："在（雷盖）被商业化之前，它是一种反叛的音乐"。1972年，"恸哭者"乐队与伦敦的"岛屿"（Island）唱片公司签约，开始建立他们的国际名声。1977年，鲍勃·马利赴美国及欧洲巡回演出，受到热烈欢迎。他的发式（流行于加勒比海人中间，把头发梳成很多像绳子似的小辫子）被很多雷盖乐迷们模仿，他的音乐更是影响了欧美很多白人和黑人歌星及乐队。1981年，鲍勃·马利死于癌症，时年36岁。
除了鲍勃·马利，著名的雷盖音乐家和乐队还有彼特·托许（Peter Tosh）、"黑色自由"（Black Uhuru）乐队、"阿斯旺德"（Aswad）乐队、"第三世界"（Third World）乐队等。 3、其他雷盖乐队
70年代后期，当雷盖音乐在欧美找到了广阔的市场后，众多音乐家开始纷纷效仿。其中以英国的"UB40"乐队和"*"乐队最为知名。
"UB40"成立于1977年，乐队阵容庞大，有8位成员，他们来自英国的伯明翰。UB40是英国救济福利组织的代号，由于建队时大部分成员都失业，需要填写UB40的社会福利救济表，他们便以此作为乐队的名称。1983年，乐队达到高峰状态，他们演唱的《红红的葡萄酒》（Red Red Wine）独占排行榜榜首，在这首经典作品中，人们充分领受到了"雷盖音乐"那节奏张驰有度、旋律清新流畅的独特美感，直到今天，"UB40"乐队仍乐此不疲。
"*"乐队（The Police）成立于1977年，乐队的三位成员是主唱兼贝司手斯汀（Sting）、吉他手安迪·萨莫（Andy Summer）和鼓手斯蒂瓦特·科佩兰（Stewart copeland）。他们将雷盖音乐和流行音乐有机地融合在一起，使其更加流行化。斯汀是乐队的核心人物，原名戈登·马修·萨姆纳（Gordon Matthew Sumner，出生于1951年），乐队最著名的代表作《你的每一次呼吸》（Every Breath you take，1983，例43）就是斯汀在牙买加度假期间而创作的。1984年，乐队解散，斯汀开始他的独唱生涯并一路辉煌。在1999年推出的专辑《新日子》（Brand newday）中，各种风格浑然一体，爵士乐、世界音乐、流行音乐的完美结合，也更加充分地体现出了斯汀的音乐天赋。
二、拉丁音乐
本节所谓的拉丁音乐（Latin music）指的是从美国与墨西哥交界的格兰德河到最南端的合恩角之间的拉丁美洲地区的流行音乐。
拉丁美洲是一个多民族的组合，因此拉丁音乐是以多种音乐的融合而形成的一种多元化的混合型音乐。无论是欧洲的白人音乐、非洲的黑人音乐还是美洲的印第安音乐，甚至是东方的亚洲音乐，都对拉丁音乐作出过不同的贡献。它们经过长期的沉淀，在以欧洲文化为主体的基础上，同时又大量的吸取了印第安文化和非洲黑人文化的各种因素，逐渐形成了一种多姿多彩的、充满活力的、充满动感的拉丁文化。那么，在拉丁美洲的众多国家中，以巴西和古巴为首的拉丁音乐，更是走在世界流行音乐的前列。 1、 拉丁音乐的来源及发展
（1）印第安文化
印第安人是美洲*的主人，他们的民族传统文化是现代拉丁音乐中的一个重要组成部分。印第安人的音乐文化，根据地域状况的不同，难以一概而论，但是大致可归纳为以下几点：
首先，它与生活密切相关，与宗教、劳动、舞蹈相结合。所以，他们所拥有的旋律单纯而富有独特的表情。这种特点尤其在当地的一些民歌中表现出来，没有半音的五声音阶形成独特的风格和趣味。另外在印第安人的传统音乐中，没有欧洲意义上的和声。再次，乐器方面，没有弦乐器是印第安人乐器的一大特点。虽然当今的印第安人音乐中经常采用吉他、小提琴、竖琴等弦乐器，但是这些都是后来由欧洲人带来的。
（2）欧洲（伊比利亚）文化
欧洲伊比利亚半岛的西班牙、葡萄牙音乐，一方面具有和西欧音乐相通的一般共性，另一方面，受遗留下来的各民族音乐的影响而独具特色。无论是音阶、旋律或者是节奏、和声、演唱和发声，在多方面都表现出欧洲其他地区所没有的因素。特别是它的节奏，有很多三拍子的音乐，但又不像圆舞曲那样单调，而是更加细腻，更具动感。另外，像3/4拍和6/8拍交替，这样复杂而富有生气的节奏也是西班牙人和葡萄牙人所喜欢的，这样的伊比利亚节奏在拉丁美洲被原本不动地流传下来，进而和印第安节奏，特别是和非洲的黑人节奏相结合，产生出更加丰富而微妙的节奏感觉。
乐器方面，以被称为"西班牙国民乐器"的吉他为代表，在拉丁美洲的所有国家受到欢迎。演唱方面，因为歌词是西班牙语或者葡萄牙语，所以能够感觉到和英文歌曲的明显不同。
（3）非洲黑人文化
拉丁美洲，在16世纪初到19世纪后半叶的奴隶制度中，吸收了大量的非洲黑人及其音乐。由非洲黑人带来的传统音乐文化，和在美国的布鲁斯、灵歌、爵士乐、索尔音乐中看到的那样，在拉丁音乐中也表现出了强烈的主体性。
在非洲黑人的音乐中，有和宗教相结合的，也有单纯、世俗的一面。无论哪一方面，其旋律、节奏、唱法都表现出显著的特色。旋律方面，旋律走向以自然的滑音、装饰音而独具特色，音阶更是丰富多采（由于演唱时滑音的运用使音符出现很多的变化）。音色方面，黑人具有十分独特的音质，他们所表达的情感往往给人留下深刻的印象。唱法方面，独唱、合唱、齐唱通常是互相交替，以一呼一应的对答形式为特征。
非洲黑人音乐的最大特色是他们与生俱来的良好而丰富的节奏感。他们使用各种打击乐器，产生出复杂而丰富的节奏、节拍。这些非洲支系的美洲黑人音乐节奏，大致上是以二拍子为基础，但又不像进行曲那样的单纯、刻板。通常是以两种、三种，甚至还有三种以上的节奏型同时重叠进行的混合节奏，不断地加入切分，产生出充满活力的律动感。
综上所述，拉丁音乐主要是由以上三种文化结合而成。这三种文化的结合，如果从旋律、节奏方面来看：在旋律上，印第安人提供基本的五声音阶模式，欧洲音乐的影响表现在扩展音阶、增加和弦上，黑人则增加了更多的变化和修饰；在节拍和节奏上，印第安人坚持短句长休止，用单调的击鼓声作伴奏，欧洲人的节奏主要是西班牙的典型的3/4拍与6/8拍的双重节拍，非洲黑人的影响主要是在几乎不变的2/4拍内加入切分音。
从以上我们可以看出，拉丁音乐的发展大致可以分为四个阶段：①纯粹的印第安曲调，五声音阶；②印第安音乐的"混合化"，产生出类似欧洲大小调的印欧混血品种；③"混合再混合"，就是用非洲黑人的装饰音和变化装饰音使其进一步发展；④"三次混合"，就是在以上的基础上融进了现代化的乐器和制作，使其更加国际化。
1979年，格莱美颁奖晚会上出现了最佳拉丁唱片奖，后又分设各种拉丁音乐奖。从此，拉丁音乐开始遍布全球，使其真正的走向国际舞台。
2、 拉丁节奏
从拉丁音乐的来源中我们可以明显看到，拉丁音乐是一种以节奏为中心的流行音乐。它的节奏所具有的不仅仅是简单的强弱规律，而是作为一种音乐的灵魂使其上升到主导地位。因此，在了解拉丁音乐的过程中，首先需要了解的就是它的节奏。下面着重介绍几种具有代表性的拉丁节奏及风格。
（1）桑巴（Samba）
桑巴源于巴西，它是以黑人所具有的美洲节奏为基础，大量地溶进欧洲旋律而产生的舞蹈音乐形式。其特征是2/4拍，音符短促地滚动节奏。传统桑巴可分为农村桑巴和城市桑巴两种。农村桑巴比城市桑巴切分性强，城市桑巴节奏变化较少，但快捷、灵巧。现代欧美所流行的桑巴，于1920年左右形成于巴西的里约热内卢。
（2）伦巴（Rumba；Ruhmba）
伦巴，起源于非洲，19世纪初出现于古巴，于20世纪初发展并流行起来。30年代初，伦巴传入美国及欧洲各国，同时融入爵士乐成分，使其风靡一时，伦巴的基本节奏型为：×× ×× ×× ×× ，传入欧美后出现了 0 ×× ×× 0× 0× 的变体，并采用沙球、响棒、康加鼓等拉美打击乐器加强节奏。传统伦巴速度中庸，每分钟约40至50拍，通常为4/4拍，后来也出现快速的2/4拍的伦巴。
（3）曼波（Mambo）
曼波，由伦巴与爵士乐中的摇摆乐相结合而成。形成于1940年左右，并在40至50年代风靡世界。演奏曼波音乐的乐队一般规模较大。乐队中有铜管、萨克斯管、钢琴、贝司等摇滚乐队中的常用乐器，也加入沙球、响棒、康加鼓等拉美打击乐器。音乐的构成常以固定低音及和弦序列为基础。
（4）萨尔萨（Salsa）
萨尔萨，一种结合了古巴黑人音乐、美国爵士乐以及南美民间音乐的舞曲音乐。40年代起源于美国，经过50至60年代的演变和发展，于70年代中期形成流行高峰。萨尔萨的节奏乐器仍以拉美打击乐器为主，如沙球、响棒、康加鼓、邦戈鼓等。基本节奏型与曼波、恰恰相似，但萨尔萨中的一种两小节节奏型却独具特色：4/4拍，× × ×× | 0 ×× 0 0 |。传统的萨尔萨音乐，经常由一个不断反复的固定动机构成的曼波段落而组成。
（5）恰恰 （Cha Cha）
继伦巴、曼波等拉丁舞曲之后，恰恰于50年代中后期在欧美各国风靡一时。恰恰，源自古巴的民间音乐恰朗加斯（Charangas）。其基本节奏型是 × × ×× × |， 演奏时用沙球、响棒等拉美打击乐器来加强最后的三个重音。
（6）探戈（Tango）
探戈，起源于古巴的哈巴涅拉（Habanera）舞，作为阿根廷音乐的代表广为流传。其特点为2/4拍的摇曳节奏，通常由两个段落构成，第一段为小调式，第二段为大调式。探戈也有用吉他伴奏的歌唱形式。一般探戈的演奏乐队由小提琴、手风琴、钢琴、低音提琴等乐器组成，而按钮式手风琴是探戈乐队中不可缺少的一种乐器。它的基本节奏型是：××××× | / |。
以上介绍的六种风格，加上在爵士乐中介绍过的波萨诺瓦，作为拉丁音乐的代表，在全球范围内引起了一股拉丁狂潮，但是除了这七种大众性的类别之外，还有以下几种风格也都是极具个性的拉丁音乐，如波莱罗（Bolero）、瓜拉喳（Guaracha）、哈巴涅拉、崧（Son）、瓜希拉（Guajira）、坦桑（Danzon）等。这几种风格都来自于古巴，再加上前面的曼波、伦巴，因此古巴具有"拉丁节奏的宝库"之称。下面提供几种拉丁风格的乐队模式以供参考（例44）。
3、桑塔纳（Santana）
在60、70年代，有一位音乐家对拉丁音乐的传播及发展作出过巨大的贡献，他就是卡罗斯·桑塔纳（Carlos Santana）。
桑塔纳，1947年出生于墨西哥，作为一名出色的吉他演奏家，他为拉丁音乐和流行音乐（特别是摇滚乐）的结合架起了一座桥梁。他吸收了布鲁斯和摇滚乐中的精华，同时又以自己独特的表达方式和充满拉丁韵味的吉他独奏以示对它们的反叛。
1966年以桑塔纳为核心在美国的旧金山成立了他们的乐队，取名为"桑塔纳布鲁斯乐队"（Santana Blues band）。1967年，他们开始发展拉丁音乐风格，不久将乐队改名为"桑塔纳"乐队。1969年，他们出现在伍德斯托克摇滚音乐节上，新颖的拉丁摇滚声音有了某些流露，同时也吸引了众多观众。70年代初，"桑塔纳"乐队创造了拉丁音乐的新型节奏和旋律，并将它们融进了摇滚乐中，桶鼓和拉美打击乐器形成了这种声音的核心，伴随着鼓手提供的更复杂的节奏，使他们的音乐更受欢迎。
在以后的25年中，17位音乐家或离或进，但桑塔纳却是永恒的倡导人，他指引着乐队的发展方向。那些年里，桑塔纳不断地寻找新的元素及影响力，使他们的风格不受拉丁音乐的*。70年代早期他们对爵士乐产生兴趣，并将其渗透到乐队的作品中。1973年，桑塔纳与著名的爵士萨克斯管演奏家约翰·科尔特兰合作录制了专辑《给投降者的爱》（Love Devotion Surrender）。此后，桑塔纳不断地将摇滚乐、爵士乐和拉丁音乐相结合，使乐队的风格更加丰富多采。
无论是随乐队一道录音和演奏，还是作为一名吉他演奏家，桑塔纳时刻都在追求他音乐上的兴趣和个性，其理想主义的风格从未放弃。70年代后期，他暂时回到更具原始摇滚风格的音乐上，80年代又重拾对爵士乐的兴趣，80年代后期，他又热衷于像约翰·李·胡克那样的布鲁斯曲风。但是不管怎样，桑塔纳的音乐从未离开过拉丁音乐的根源，而且他的音乐演变历程不断地拓展着他的音乐视野和情趣。
拉丁音乐以其独具特色的节奏动感和历史悠久的文化背景使其倍受世界乐坛的关注，拉丁音乐家也层出不穷。近几年流行乐坛中出现的瑞奇·马丁（Ricky Martin）、马克·安东尼（Marc Anthony）、安立奎·依格莱西亚斯（Enrique Iglesias）等明星都是极具个性的新生代拉丁音乐代表。
三、新时代音乐
1、概 述
80年代，当流行音乐呈现出复杂、多样的局面时：爵士乐各种流派重返舞台；摇滚乐各种风格丰富多采；索尔音乐更是冲破了各条防线不断扩散。这时出现了一种安静、温和的情绪音乐--新时代（New Age，又译"新世纪"）音乐。
新时代音乐经常采用严肃音乐中的"简约派"手法，不断重复同一曲调。有时也结合大自然的声音等各种音响。早期的新时代音乐以电子乐器和高技术的录音手段为特色，后来又不断地加入各种音色奇特的民族乐器，并融合了世界各地（尤其是亚非地区）的民族音乐元素。从形态上看，这种音乐并不刻意强调音乐中的某一点（如旋律线和节奏感），而是更加注重音乐的整体效果（如音色的变化和织体的布局）。虽然新时代音乐有时候也采用某些摇滚乐的手法，但实际上它却是和摇滚乐，特别是重金属、朋克和较强劲的主流摇滚相对立的。它是对喧闹的、尖叫的、强劲节拍的摇滚乐的一种"解毒剂"，也是人们企望从生活压力下的紧张心理中寻求缓解的一种反映。90年代以后，新时代音乐的范畴被众多唱片公司泛化，各种比较浅显的电子轻音乐都被冠以这一称呼，像爱尔兰歌手恩雅那样的一些具有类似风格的音乐也被纳入这一范畴。此外，美国的《公告牌》还特辟了新时代音乐排行榜，以此来促进这种音乐的发展。
2、"英格玛"（Enigma）
"英格玛"（又译"谜"），一种通过西方流行音乐节奏表现出来的美国式圣歌。在这里，你可以感受到遥远而神秘的非洲部落，和神圣而庄严的宗教回声。很多人只是听到了神秘的声音，却极少了解"英格玛"背后的故事。那么，它到底是一种什么形式呢？
"英格玛"不仅是一个简单的音乐类别的组合，它已成为一种音乐的代表，一种概念性的、极具个性的世界音乐。它的"灵魂"人物是迈克尔·克里图（Michael Cretu），一位极具天才的音乐家和制作人。克里图，1957年5月18日出生于罗马尼亚的布加勒斯特。1965年，进入当地的一家音乐小学读书，主修钢琴。1975年，克里图和全家移民到了原西德的汉堡，并考入了法兰克福音乐学院。1979年加入宝丽金（PolyGram）唱片公司,开始了他的音乐创作和制作。1985年，他与"维真"（Virgin）唱片公司德国公司签约，开始与一些著名歌手合作，其中最成功的是帮助桑德拉（sandra，德国著名女歌手）制作了非常成功的专辑。1988年2月，克里图与桑德拉结婚，然后他们移居到了伊维萨岛上，1989年他开始在自己的家庭录音棚里制作自己的音乐。
"英格玛"的另一个主角就是克里图的妻子桑德拉。"英格玛"唱片中的所有女声演唱都由她来完成。桑德拉全名桑德拉·劳尔（Sandra Lauer），1962年5月18日出生。她在12岁就推出了个人专辑,16岁时组过一个叫"阿拉伯风格"（Arabesque）的演唱组，在当时的日本非常走红。1985年，桑德拉开始与克里图合作，并成功地确立了自己的歌坛地位。
克里图打破常规,从欧洲流行音乐中解脱出来，开始着手于自己最喜爱的音乐的制作。他把两种截然不同的声音--秘鲁的排萧和修道院的圣歌旋律完美结合，配上洒脱而又懒散的迪斯科节奏使其独具特色。1990年10月，"英格玛"的首支单曲"Sadeness，Part 1"首先推出，这首歌成为他们最著名的热门单曲。紧接着推出的专辑《公元前2000年》（MCMXC.a.D）成为德国有史以来卖得最好的专辑，一共销售了1200万张，在41个国家登上了专辑排行榜冠军。在90年代流行音乐稳步前进的时候，"英格玛"并没有追随标准的成功规则，而是运用了笛子和中世纪的圣咏配以电吉他、铜管乐等现代乐器，传达着现代人的气息和情感。这张专辑中的经典歌曲如《我的过错》（Mea Culpa）、《*的原则》（Principles of lust）、《信仰之河》（The rivers of belief）都非常出色。1991年，《公元前2000年》推出了一个"限量版本"，增加了四首曲目，不过都是在原来专辑歌曲的基础上重新混音并延长而成。限量版唱片的封面设计与原先几乎相同，但是用一种灰暗的绿色背景代替了原来的黑色。总的说来，《公元前2000年》是90年代流行音乐史上的一张杰作。
1993年，"英格玛"推出它的第二张专辑《变换的十字架》（The cross of changes）。由于第一张专辑的成功，第二张专辑未正式出版便已得到140万张的预订单。这张专辑不仅拥有上一张专辑的气质，而且还是一个进化。它的封面设计非常独特：是一个黑色的圆以及一个具有人特点的机器物走在前面，画线看上去模糊不清。《变换的十安架》共有9首歌曲，并且每一首歌的开头与上一张专辑相似，只是在各种背景下出现了明显不同的男声。但是，这张专辑没有超过上一张专辑的成绩。在《变换的十字架》中诞生了两首热门歌曲：《真理的眼睛》（The eyes of truth）和《回到纯真》（Return to innocence）。特别是《真理的眼睛》涉及了更多的交响乐成份，它明显倾向于带有现代节奏的拉普人（指生活在挪威、瑞典、芬兰和俄罗斯北部的居民）圣歌的歌曲结构。作为一个合唱，这首歌使人感到非常舒服，其中的一个理由是"英格玛"已经将兴趣的触角伸到了古老的北欧音乐文化。1994年《变换的十字架》也出了一个"特别版本"，增加了3首曲子，每首曲子增加了重新混音的部分。由于它没有在美国发行，所以在世界上一些唱片店中很难找到"特别版?quot;这张唱片。
1996年11月25日，"维真"唱片公司首次在全球同步发行"英格玛"第三张专辑《国王死了，国王万岁》（Le Roiest mort ，vive Le Roi！）。新专辑与以前相比不仅气氛有所不同，而且鼓的音色变得更加平和，出现了更多的少数民族声音，被评论界誉为目前为止"英格玛"最一元化的专辑。在这张专辑中传达了许多自然的、哲学的观念，这个观念的主题就是"为什么"（Why）。专辑中《冥界之外》（Beyond the invisible）是一首经典单曲，通过克里图的声音，铺垫着一种势不可挡的力量和有力的旋律。
1999年，"英格玛"又推出第四张专辑《屏幕后面的镜子》（The screen behind the mirror），由于听众习惯了前三张专辑的个性化特征，对比之下这张专辑的风格在个性上就略显平淡。2000年，"英格玛"又将视点瞄准了神秘的东方文化，推出了第五张专辑《有限的力量》（The Power Limited）。在流行音乐飞速发展的今天，很多人对这张专辑的评价褒贬不一，但是不管评论界持什么样的态度，作为世界音乐的代表"英格玛"的声音，已被永久的记录在流行音乐史册之中。
3、其他新时代音乐
正如以上所述，90年代以后新时代音乐的范畴被逐渐泛化。凡是通过现代化录音技术制作出来的带有一定民族性的音乐都被划入这一范畴，如爱尔兰女歌手恩雅的音乐、印度的教会音乐，以及中国的*音乐（如何训田制作的《阿姐鼓》）等，也都被一网打尽。因此，新时代音乐的概念变得越来越不重要了，而音乐的时代性和独创性则成了这种音乐的核心。下面着重介绍三位较有代表性的音乐家。 恩雅（Enya）
恩雅通过民歌旋律、合成效果和古典化的背景创造出了一种爱尔兰式的新时代音乐。
恩雅，原名Eithne ni Bhraonain，1961年3月17日出生于爱尔兰多尼戈尔郡的圭多尔的一个音乐家庭，父母都从事于音乐工作。但是对恩雅影响最大的则是她的兄妹们于1976年组成的"家庭"（Clannad）乐队。1979年，恩雅加入乐队任键盘手，为乐队创作了大量的电视剧配乐。1982年，恩雅因厌倦乐队的流行风格而离开"家庭"。从此之后，她开始致力于自己所爱好的音乐创作，于1986年推出BBC电视台的电视剧原声音乐专辑《克尔特人》（The Celts）并与WEA唱片公司签约。
1988年，恩雅出版的第二张专辑《水印》（Watermark）取得了优秀的成绩。1991年，恩雅推出了《牧羊人之月》（Shepherd Moons），该专辑在美国专辑销售榜上名列第17，且连续4年榜上有名，此专辑的全球销量超过了1000万张。1992年底，WEA唱片公司重新发行了《克尔特人》。1995年，恩雅推出了她耗费了4年时间录制的专辑《树的回忆》（Memory of trees ），这张专辑的风格与她以前的作品相比并无太大差别，但是它加进了一些充满愉悦情绪的音乐元素。该专辑在美国榜上名列第9，在当年发行销量突破200万张。
