B级片的产生及生产
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发布时间：2022-04-24 02:54
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时间：2022-07-10 16:16
B级片的产生及在好莱坞的地位 对好莱坞的大制片厂而言，由大明星或知名导演拍摄的*片当然是公司声誉和收入的主要源泉，但是投资大、制作周期长，风险也大。相反，B级片成本低廉、制作周期短，甚至可以利用其它影片的服装、道具等，可以起到充分利用公司资源、加速资金周转、平衡投资风险的作用，而且训练了一大批技术人员。而那些实力无法与大制片厂抗衡的小制片公司更是B级片生产的主力军。
B级片是经济大萧条的产物，30年代初的3年，每周观众人数从1亿一千万降到6000万，电影公司为了赢得观众推出双片（double bill）的放映制度，基本上就是一部正片加一部B片。1935年10月RKO和MGM在自己的一线影院推出双片放映，算是B片正式登台，一年之内四分之三的影院都采纳了双片制。原来的影院，一晚上一般是一部正片，一部新闻片，一部卡通片加预告片打成一个包，把卡通什么的升级成一部70分钟左右的低成本正片，算是吸引观众的方法。B就这么出现了，至于为啥叫B，没有统一的说法，以前别人跟我说的是A/B，就是double bill的两部片子。也有说是Bottom of the bill等等。
说到B级片，大家都会有那么一个粗略的印象：粗野、直接，感官刺激强烈，题材总是离不开恐怖、暴力与*。这个起源于好莱坞黄金时代的片种，其实从一开始就寡廉鲜耻，它的出身就决定了这一点：一张电影票钱可以看到两部电影，主片制作精良，简称*片，附赠B级片成本自然低廉，但为了吸引观众，还得想招儿，所以就不得不拿*、血腥、恐怖等元素来做文章。
一个很严肃的问题是，为什么一定要拿*、血腥、恐怖来作噱头？答案很简单，因为它们有效。为什么有效？因为它们本质。换一种说法，这些东西是我们根深蒂固的本性，所以不用花什么心思，稍微挑逗一下就OK了。所以永远存在着两种电影，一种试图带我们超出肉体的界限，体验一种美的东西；一种让我们回到肉体，感受*的脉动。前一种让人尊敬，后一种能让人得到发泄，B级片无疑属于后者。但不带个人偏见地说，这两者本身没有高低之分。就如同爱情片与*片，一个作用于精神，一个作用于肉体，一个是让内心得到安抚，一个是让身体的紧张状态得到纾解，两者都对人有益。
记得一本书里说：文明，就是把真实包装起来，免得看起来恶心。这话很对，我们不是受虐狂，想过得干净一点。但有一个问题，就是时间长了，人就会变得难以面对真实或者认为真实就是这样，然后难免有些假惺惺。就像尼采说的：虫子怕被踩到，就把身体蜷起来，人类把这叫作谦恭。
在电影中，我们经常能发现这样的东西，有着精美的外壳，但内里所要表达的东西却始终透着一种腌臜之气，憋着劲勾起你下半身的*。每当这个时候，我就情愿去看一些更为污秽血腥的B级片。这是，B级片就像一剂解毒药，因为它非常直接地展示自己地兴趣品位，在这个假惺惺的世界里，显得勇敢，甚至单纯。
B片其实很受影院的欢迎，尤其是在南方。这是因为那些大片在分帐上影院是亏的，片子卖得越好，电影公司提成越多，到最狠的卖座片可以留一成给影院。但是B片是一次付清的，一般成本是7万美元，电影公司赚1万，电影院想怎么放怎么放。看Lubitsch的片子反而不如情节简单俗套的电影更爽。电影院会在周中放映单片，而把周六晚上完全送给B片。 B级片的生产可以分成体系内和体系外的 一般大片场都有B unit，由专人负责。Paramount是Sol C. Siegel，Warner是Brian Foy，MGM是Lucien Hubbard和Michael Fessier，Columbia是Irvin Briskin，Fox是Ben Stoloff和Sol Wurtzel。Wurtzel这个名字读着好像worse，所有有个笑话叫“from bad to Wurtzel”。可见B片之B。
片场的B unit的基本工作感觉比较像块抹布或者海绵，把那些overhead全吸走。一般B片的B可以从员工，故事，成本，周期等来看。演员一般要么是过气的，要么就是没名气的。比如Bela Lugosi，30年代就开始B了，可见他衰落的有多快。Wings里的男主角Richard Arlen，也是B片老手。新人就不用说了，无数明星都在B片干过，反正都是合同工嘛。导演，编剧也一样，Wyler, George Stevens，E Dmytryk, Fred Zinnemann, Jacques Tourneur, Jules Dassin，Mark Robson，Robert Wise，Anthony Mann。从这点说，片场有自己的一套培养人的体系。不过也不乏永远培养不出去的B片专业户。偶尔B片还有一个作用，就是教育一些脑子突然进水的人，比如Bogart就被罚过。
B片故事当然也是直接非常老套的公式化生产，片场比较常见的就是把自己的片子改改背景就上了。毕竟B片的准备时间只有一到两周。很多时候就是为了利用别的片子的场景，比如Magnificent Ambersons的房子就被用到了Cat People里。B片为了省钱，还大量利用片场现成的素材，有时候会刻意让角色的穿着去跟某些影片剩下来的素材匹配。拍摄周期就更短了，一般就是一个星期。毕竟经费少，利润空间也小，定死了的一万多，补拍两下就赔本了，很多时候就是拍到哪里算哪里。
独立制片的公司其实从成本，拍摄上都跟大片场类似，经费甚至更少。没有现成布景利用，常常就是一个场景用背投解决一切。30年代的小片场起起伏伏后，到40年代形成了三个主要的片场：Republic，Monograph，和PRC (procers releasing corporations)。像Edward G Ulmer就是在PRC。他说他们通常是一次想出几十个电影的名字，就把这一年要拍的片子定下了，然后在往名字里塞故事。比如他看了Billy Wilder的Double Indemnity，就想出了一个Single Indemnity，不过，片子拍完了后，还是把名字改了。Ulmer还利用John Ford的Hurrican拍摄后剩下的200颗棕榈树模型拍摄了一个大饭店的古巴版：Club Havana。比起大片场体系内的B片，Ulmer觉得独立制片的B片创作自由度更大，除了经费问题，他们从来没有遇到过其它对内容的控制。经费怎么影响呢？比如一个服务生的角色，如果没有对白，就是16块5，如果他说了一句thank you，就是25。为了省这8块5，编剧/导演就得设计点情况让角色比如嗓子坏了啥的，不能说话。
Monogragh的主要手法是拍系列片，他们有个牛制片，叫Scott Dunlap，此人特别能打头炮，一部片子卖好了，接着就粗制滥造一批同系列影片，靠着头一部的名声卖钱。Monogragh还有一个自己的准B unit，专拍B片中的B片，负责人是Sam Katzman，Bela Lugosi在系列里廉价重复自己。惊悚片是B片专长，Monograph的负责人是Kings三兄弟。
独立制片公司自己没有院线，他们利用州里的规定在附近影院找到稳定的放映渠道。后来做得比较大如Republic和Monograph也在大城市设自己的发行代理。不过大部分公司还是依靠本地的关系户。
后来Republich破产，PRC经过一系列购并后被UA买走，Monograph更名成Allied Artists，逐渐走大片路线，50年代后它既支持Roger Corman的低成本B片，也能投资Billy Wilder和William Wyler的影片。Godard的Breathless美国发行权就被Godard象征性的送给了Monograph。
传统意义上的B片生产在50年代初解体。曾经占全国人口7成的电影观众，从57年已经减到4000万，到70年代减到2000万。电视开始播出自己制作的系列惊悚片或者西部片，制作者往往就是老B片的制作者们。B片影人面临选择，他们中的一部分投诚进入了电视行业。
电视的生产非常接近B片。生产周期短，这让电视台首先想到了B片制作者。事实上，Republic标榜的5万美元成本电视也可以拿出来，只是电视台的制作周期更紧凑。资深B片导演如Lesley Selander，Joseph Kane，Lew Landers都很自然的进入电视生产，电视制作人对他们的评价是：unexciting but always reliable。到后来电视电影的出现实际上是彻底的将B片移植了过来。
另一部分B片制作者开始开发新的B片，包括William Castle和Sam Kazman组合，Albert Zugsmith（此君被大部分记住是因为他之前是Written in the Wind，Tarnished Angel，Touch of Evil等经典影片的制片）, Samuel 和 James Nicholson (两人在55年建立了AIP)，当然还有Roger Corman。尽管观众人数在下降，依然有很多潜在观众群大片场不愿意开发。比如汽车影院，这里的观众普遍是年轻人。新的B片主要针对teen america挖掘市场。科幻，恐怖，飞车，吸毒外加狂欢是常见主题。这时候的B片成本不超过10万美元，发行宣传费用大约相当。为了发片，各种耸人听闻的手段都用了，在观众座椅下接电极，穿着骷髅服在观众席间走，售卖意外心脏病保险……
1970年Roger Corman因为跟AIP在Gas-s-s-s的剪辑上吵翻，自己创立了New World，以exploitation movie著称，比如*系列和女监系列。Corman也曾短暂开发过黑人系列，但是放弃了，因为觉得这10%的观众划不来。他的销售经理总结说，影片的成功有7成在片名和宣传。Big Bird Cage的宣传语是“Women so hot with desire they melt the chains that enslave them”，Fly Me是“See stewardesses battle kungfu killers”。
New World在拍摄上坚持着40年代B片的风格，比如Peter Bogdanovich的影片Targets，其实是因为Boris Karloff欠Corman一些工时，为了扯平弄出来的。而The Terror是因为影片The Raven比计划提前两天拍完，为了不浪费而拍出来的。Hollywood Boulevard则完全是个赌注，公关经理Jon Davison说他可以用公司以前拍过的最便宜的片子的三分之一的钱拍一部片子，结果，就出来这么一部Godzilla和Fly一起客串的片子。Roger Corman亲自指导编剧，给他们整个框架。Jonathan Kaplan说拍Night Call Nurses时，Corman跟他开了一个工作会议，会上Corman列出了详细的需要遵守的概要：要利用男性观众的性幻想；打斗和暴力要充足；要有两条故事线，一条偏喜剧，一条要反应偏左的自由派价值观。正面*必须腰部以上，背裸可以全身，绝对不能出现*，片名要在影片里被利用上。 B级片名人 ed wood那样的电影狂人，他对于电影的执著和热爱，让人感动，也许他只是以个很烂很烂的导演，可是失败的人生和胜利的人生并无实质区别，人终归是要死的，wood在不断地拍电影的过程中获得了别人难以体会的快乐，这已经足够了。 低成本影片与“大片”：良性互动营造繁荣 美国电影市场如同一个生物圈，如果说每年几十部“大片”代表着狮熊虎豹等金字塔顶端物种的话；“小片”、“B级片”等为数众多的低成本影片，则代表了羚羊、斑马、鼬鼠……等多种多样、各具特色的丰富种群。它们聚集在一起，每一种电影类型都拥有自己的代表作品，如同每一个生态位都拥有自己的代表物种一样，不同的特种之间相互依存、良性互动，共同构成美国电影界的繁荣体系。
低成本影片尤其是B级片，很大程度上建立在对*片的模仿之上。《侏罗纪公园》带动了《史前巨鳄》等一批低成本怪兽片的问世。《黑客帝国》推出后，那招牌式的“子弹时间”亦出现在越来越多的B级动作片中。而在曾经一度登上北美票房排行榜榜首的体育喜剧励志片《疯狂躲避球》里，男主角在最后的决战中蒙住眼睛战胜对手，则明显有向当年《星球大战》结尾致敬的意味。所谓物极必反，模仿的极致便是反讽，在“白头神探”和“惊声尖笑”系列影片中，美国电影界各路“大片”几乎尽数遭到戏弄，可以说无一幸免——于是不禁折服于美国制片人的商业头脑，同一个题材或情节，“大片”拍一遍，低制作影片拍一遍，最后还要再来一次反讽，挤牙膏的本事实在一流。
而另一方面，低成本影片又为“大片”提供了丰富的基础。大多数世界级的导演或演员都曾经从低成本影片起步，《蜘蛛侠》系列的导演萨姆·雷米当初便是凭恐怖片“尸变”系列迈出了成名的第一步。直到今天，在《蜘蛛侠2》中的“手术室大*”一节中，还依稀可以看到他对于当年B级片生涯的留恋与致敬。梅格·瑞恩给观众留下最深印象的作品，是《西雅图夜未眠》和《网络情缘》这样的小成本爱情片，而她竭尽全力向“大片”冲击的《生死豪情》，却被多数影评人归为“甜姐儿”的失败之作。
从目前我国引进的美国影片的构成看，“大片”占据了其中的绝对优势。而且即使像《未来水世界》、《纽约大劫案》和《亚瑟王》这样在美国本土遭遇冰雹一样恶评的作品，也照样引进不误。然而另一方面，在低成本影片引进方面却显得过于吝啬。不但佳作基本上被排斥于国门之外，而且反而引进了像《云中漫步》、《神秘的大亨》这样从情节到表演都乏善可陈的平庸之作。 美国“小片”：观照美国社会的一面镜子 美国每年的电影产量在500部左右，其中高成本的“大片”大约不到百部，另外80%都是小投资的制作。在这些影片中，有一类作品几乎处处与“大片”背向而驰。它们的投资一般只有“大片”的几分之一，极少使用一线大牌明星，情节多以贴近现实内容的爱情、家庭、青春、体育或喜剧题材为主，片长极少超过100分钟——截至目前为止，电影研究者们还没有发明出一个统一的名词来概括这类影片。为了便于叙述起见，本文特别统称其为美国“小片”。
在美国电影市场上，各路“大片”往往只在暑期和圣诞档引领三四个月的*，其余广大的区域，则几乎全被各种各样的“小片”所占据。“小片”也有自己的领地划分。尤其是从每年2月份开始，恰逢情人节和新学期开学，爱情与青春片便成为这一时期的主题。04年放映的《高校天后》、《坏女孩》、《女孩梦三十》等影片便都属于此类，浪漫爱情和艳光四射的青春美少女成为其中最大的看点。
“小片”中的价值观往往趋向于传统，很少有《黑客帝国III》或者《现代启示录》那种激越反叛的主题存在。清教徒的道德观是这类影片的主流色彩。《偶像有约》和《儿女一箩筐》对爱情、友谊和事业的忠贞，《新秀》和《温布尔登》中的个人奋斗与自我牺牲精神，既是美国社会的精神基石，更是美国“小片”的内涵指南。从某种意义上讲，众多美国“小片”宛如观照现实美国社会的一面镜子，在描述现实生活的同时，寄寓了普通人最美好的幻梦与理想。
因此也就很容易理解了，为什么一些几世纪前的童话母题，却往往能在美国“小片”中找到宿主。仅一个“灰姑娘”的类型，近几年便有《曼哈顿女佣》、《王子与我》和《灰姑娘的玻璃手机》等多部作品问世。体育类与励志类的影片由于迎合了现代观众的理想和口味，也一直层出不穷。更有不少表现“体育运动中的女人”的小制作影片，由于糅合了美国“小片”中永恒的两大主题，更是颇受欢迎。《女生出拳》、《乔丹传人》和《背绳一战》等影片，便是其中的代表。但若由此认为美国“小片”都是千篇一律的泡面式作品，则未免失之偏颇。像《初恋五十次》这样的影片，巧妙地把爱情放在“失忆”的反应皿里考验，就创意而言着实新奇。
除此之外，美国“小片”还往往是美国流行文化的晴雨表，凡是曾经或正在风行的文化产品，几乎都可以在“小片”中找到自己的影子。最好的例子便是《八英里》中的说唱，《摇滚学校》中的民间乐团，以及《闪电舞》等一批劲舞影片等。 如本文开头所述，所谓美国“小片”是指在主题方面与“大片”主题有较大差异的一类小制作影片。除此之外，另一些影片的成本虽然只有“小片”的水平，但在情节和内容上却完全朝着“大片”看齐。这便是通常所说的“B级片”。
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时间：2022-07-10 16:16
王家卫在《一代宗师》中说过一句话，放在这里可以算是这篇文章开端的引子：
人活在世上，有的成了面子，有的成了里子，都是时势使然。
同样的，这个世界上的电影，有的成了赚钱机器，有的成了心灵道标。
当然，个人的奋斗是很重要的，但也要考虑到历史的进程。
20世纪30年代，美国爆发了经济大萧条，成群的牛奶被大资本家们投入大海，总统胡佛被经济状况搞得焦头烂额，与此同时，好莱坞也开始实行“双片制”，来保证票房和收入。
所谓的“双片制”，即“一A一B，稳赚不赔”，在发行一部高成本精制作的*片同时，“附赠”一部低成本、糙制作的B级片，以降低*片的投资风险。于是，B级片就以这样的姿势，登上了世界电影的舞台。
——生于毫末，起于萧条；破以感官刺激，成以奇迹票房
在维基百科上，B级片词条中，对于“B movie”的解释是： B movie is a low-budget commercial movie that is not an arthouse film.简单翻译一下就是：B级片是非艺术性的低预算商业电影。这个定义中突出了B级片的两个非常重要的元素：低预算（low-budget）和商业性（commercial）。也就是说，B级片不仅制作低廉，而且……能赚钱，而且放在某些导演手中还会有意想不到的艺术性。放在现在，可能跟网络大电影差不多，有些制作费用不高的网络大电影，确实拍出了很棒的效果，比较典型的是一部名为《降魔师》的电影，过几天就能在爱奇艺上看到。
上面我们提到，1930年之后，好莱坞形成了八大电影制片厂垄断的场面，于此同时，面对经济萧条，推出了“双片制”，B级片诞生。作为*片的“附赠品”与之*销售的B级片，售价低廉且贴合了二三线乃至四五线城市的居民吃不饱饭、追求精神慰藉的需求。
在每天都有新电影、一夜连续放6部的情况中，B级片制作公司就借此存活了下来。并且，题材也开始丰富起来，在之前大量的西部片中，加入了探案片、喜剧片、歌舞片、泰山系列等颇受市场喜爱的电影。这一时期的B级片，诸如《大追踪》、《畸形人》、《三楼的陌生人》等等电影，虽然与我们时代相隔视听语言上也有了一些障碍，但正是这些天才般的导演对于低成本制作的探索，让B级片焕发出了蓬勃生机。
直到40年代末，双片制度的衰落加速了B级片制作的竞争，同时也开启了大小B级片制作厂的创新——在利益与成本的双重催激之下，B级片跳出了*片的*，开始成为独立的低成本电影类型出现。正所谓时势造英雄，此时的B级片所遭遇的，正是一个从没有人想象过的机遇和挑战。
——跳出双片制，行入类型中；准确的观众定位，“剥削”下的利益既得
许多年后，当罗杰·科尔曼拿起网络大电影《生死鬼蜮》的剧本仔细研读的时候，总是会想起好莱坞后山失火的那天。后来在罗杰·科尔曼的电影中，只要是火灾场景，好莱坞后山失火的镜头就反复出现，这既节省了成本，又迷惑了观众——在紧张的火势之中，没有人关心镜头是否重复了。也正是因为罗杰科尔曼对于制作成本几近严苛的把控，“剥削电影”的概念也开始出现。这一点又很难让人们不联想到网络大电影，在不同的时代环境之下，两者的相似性非常的高。
话说回来，双片制的消失，源于美国最高*对于大制片厂*销售行为的“垄断”判定。电影行业也因为战争影响下，陷入了不景气的五十年代。然而，就是在这样的时代和机遇中，一个名叫美国国际电影公司的制片厂，因为对于战后婴儿潮的精准定位，将影片定位于年轻人市场而迅速崛起，成为了六、七十年代的最重要的B级片生产公司。这个时候的B级片也开始了6到飞起的营销策略。比如威廉姆·卡索就曾为每个观众买了保险，并承诺：吓死赔一千美金。这种噱头十足的营销策略，不仅让电影《恐怖之旅》名声大盛，也让威廉姆·卡索和他的作品在B级片的电影史中留下了名声。
随着美国审查制度的松懈，五十年代中后期，已经有电视台在午夜播放B级片了。这不仅让本来有些敌对的电视机和电影融合起来，更让B级片作为一种文化现象有了更深更广的受众基础。B级片开始为人所正视起来，乔治·罗梅罗的《活死人之夜》开启了丧尸电影的先河并且建立而立丧尸的基本法则；而罗曼波兰斯基的《魔鬼圣婴》更是直接挑战了西方宗教，其中对于人性黑暗面的揭示和剖析，会让人感觉到深深的恐惧。
1970年，《逍遥骑士》在获得了戛纳金棕榈组价*作奖之后一年，捧回了奥斯卡最佳原创剧本奖的小金人，B级片正式从廉价的粗制滥造，换成了中规中矩的独立小成本制作，开始了自己的洗白之路。
——天下攘攘，皆为利往；整体式微伴随着转型倾向踽踽独行
上世纪60年代，*的约翰列侬抱着不着一缕的小野洋子，在日本的榻榻米上喊出了一句石破天惊的“要*，不要作战”（Make love, not war），整个美国都被震动了。与此同时，反主流文化也开始盛行，B级片借着这股“东风”，一跃开启了由B级别向*别转型的大门。
随着票房的盈利，新一代的B级片导演们有了更高的追求，B级片的内涵也被他们提到了一个新的高度。B级片自身对于发展突破的探索，遇到了《星球大战》后人们对于大投入高制作的青睐趋势，又是个体的努力遇到了时代的发展趋势，B级片开始渐渐摆脱低成本制作，一部分人投入了高成本、精良制作的*电影转型当中。
正所谓“天下熙熙，皆为利来；天下攘攘，皆为利往”，B级片导演们在向*片转型的过程中，不可避免地造成了B级片的整体式微。在《活死人之夜》、《粉红色火烈鸟》、《德州电锯杀人狂》、《月光光心慌慌》等B级片造成巨大轰动的同时，B级片也将迎向属于它自己的不可知的未来。
——特效兴起与类型陨落，光影变换间闪现的人类之芒
赶上了B级片大潮的导演，有很多都成为了现在德高望重、中流砥柱一般的商业片导演，比如大名鼎鼎的斯坦利·库布里克、弗朗西斯·科波拉、马丁·斯科塞斯、詹姆斯卡梅隆、彼得杰克逊等名导，都曾染指过B级片；而昆汀塔伦迪诺、罗伯特罗德里克兹之流更是以B级片起家，在好莱坞的大银幕与录像厅的小磁带中闯出了名声。
随着电影技术的不断发展，更新更炫酷的特效镜头、更优更品质化的制作流程，都让观众们对于影片质量有了更高的追求。需求在哪儿，市场就在那儿。于是，很多导演纷纷转战更高的制作品质。于是，B级片不可避免的衰落了下来，落到了如今奄奄一息的地步。
然而，B级片留下的并不只是血浆、暴力以及裸露的镜头，还有个人化的电影风格、凛冽的镜头剪辑、天马行空的剧情想象……从《低俗小说》到《八恶人》，昆汀的风格一直在延续；同样作为鬼才导演的罗德里克兹，从《杀出个黎明》到《罪恶之城》，重口味的电影在挑战着观影体验的同时也在刺激着我们对电影做出有趣的判断。毕竟，电影是一门高深艺术的同时，也应该是一个顶级的“玩物”，在方寸的银幕之间，闪耀出专属于人类的光芒。
——新生种类带来低成本制作福音，网络或许是最后的救命稻草？
互联网的兴起，带动了电影以网络的形式出现，被称为“网络大电影”的介质出现在观众面前。这也让B级片的拥趸们看到了一丝希望——低成本制作、天马行空的想象、夸张离奇的表现，网络大电影就像是B级片在网络世界中的重生，两者的相似性更是吸引了曾经的“B级片之王”罗杰·科尔曼。
值得一提的是，一个名叫麒麟的导演就是从小看罗杰科尔曼的电影长大的。他后期创作的电影或多或少都带有一些B级片的影子，这次即将于12月24日在爱奇艺独播的《降魔师》就是一次风格鲜明的尝试。初看影片的时候可能会被其中的特效镜头吓到，以为是一个高投入的影片。然而《降魔师》是一个不折不扣的低成本制作电影。导演深得B级片发展精髓，瞅准了网络男性青年这一目标群体，在人物造型上营造了废土世界《疯狂的麦克斯》的风格，同时在剪辑上的处理也颇有罗杰科尔曼“不留一个废镜头”的特点，在镜头语言上也能寻到一些学院派的精致作风。
《降魔师》为观众们讲述了一个光怪陆离的世界，从病房中的死者、窗台上的小孩儿，到陈旧的古屋、奇特打扮的人物，都不难看出曾经在80、90年代叱咤风云的《黑楼孤魂》、《大喘气》等经典电影的极致匠心，可谓是网络大电影中十分有潜力的类型。影片虽然最后还是回归了悬疑片的老套路，但是其中对于众多元素的运用以及风格化的视听语言，都颇有B级片的风韵。
2016年11月23日，罗杰·科尔曼来华，参加了爱奇艺在北京召开的“新电影主义”资质网络电影战略合作发布会及一系列活动，并在现场公布他将在中国监制首部作品《生死鬼蜮》。相信网络大电影在这位“低成本制作大师”的联手之下，能够爆发出更有创新力的作品。
