请教绘画类作品欣赏简单易懂的方法?谢谢

发布网友发布时间：2022-08-02 19:48

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热心网友时间：2024-11-19 07:12

对于一般人来说，能否欣赏一幅绘画作品常常是能否“看懂”，他们的欣赏步骤是：画的是什么？画得像不像？画家画这种形象的寓意是什么？如果都回答出来了，便认为是看懂了，如果回答不出来，便认为是看不懂。用这种方法来欣赏中国画，一般来说，工笔的、写实的作品就容易欣赏，因为它是具体、真实，看得懂。但如果是粗放的。写意的作品，尤其是水墨写意的作品，就较难欣赏了，因为它不写实，形象不具体，就看不懂，而且更无从知道作者的寓意了。当然，一般人用这种方法欣赏绘画是完全可以理解的，因为画得像，看得明白，才容易引起联想、产生共呜。但是我们必须明白，一幅绘画作品的好坏，却不是以“像”或“不像”来衡量的。
就艺术而论，我们衡量一件绘画作品的好坏，或我们欣赏一件绘画作品，首先不在于它像或不像，而在于绘画作品的主题，或者说绘画作品中所辐射出的某种观念、某种思想、某种情绪，能否紧紧地抓住观赏者的心弦，能否给人以充分的艺术审美享受，并使人从中获得某种启迪和教育。应该说，这才是一切艺术作品的真正目的。像与不像仅仅只是作品一种达到目的的手段而不是目的本身。因此像与不像就不能作为衡量作品的好坏或欣赏作品的标准。
那么，画家们是怎样来看画的呢？就国画而言，内行人看画一般是看画面的整体气势，用美术术语来说就是先体味其“神韵”，或者“神似”，然后再看它的笔墨趣味，构图、着色、笔力等。最后才看它的造型，即像不像或“形似”。内行人的这种抓“神韵”的欣赏方法当然是抓住了实质，因为“神韵”就是一种高的艺术审美享受，常常是中国画家们的追求达到的目标。
当然，一般的人要从画中去体验到一种“神韵”却并不是一件容易的事，那不但需要一定的审美能力、艺术修养，也还需要具备一定的绘画方面的基本知识，特别是通过绘画而训练出来的一种“感觉”。所以要很好地欣赏绘画，还得具备多方面的才能和艺术修养。
但是，如果我们从以下几个方面去欣赏绘画作品也许更能理解一些。有人提出，艺术的欣赏需要经过审美感知、审美理解和审美创造三个阶段，那么从这样三个方面去欣赏绘画作品是很有道理的。
审美感知就是要求我们直观地去感知审美对象，即艺术作品本身，我们可以去感知作品上画的是什么？画得像或是不像，色彩是鲜明的或是灰暗的，线条是流畅的或是笨拙的，表现手法是工笔的或是写意的等等，总之要自己亲自地平心静气地进行直观的感受。第二步，在审美感知的基础上进行审美理解。即在直观感受的基础上，进行理解和思考，把握作品的意味、意义和内涵。这种理解包括对作品的艺术形式和艺术技巧的理解；对作品表现的内容和表达的主题的理解；以及对作品的时代背景和时代精神的理解等等，这就需要充分调动我们的思考能力。
我们可以一步一步地想下去：作品画的内容要表现什么？是怎样表现的？所采用的艺术手段是否恰当？能否充分地表达出主题？同时，透过作品的画面，猜测作者的心思，是热情地歌颂或是辛辣地讽刺；透过画面的气氛，体验画面的情调：是深沉或是豪放，是乐观或是悲伤。再还可以根据已有的知识结构，结合作者的身世、创作特点和所处的时代背景等进行分析。
到了这一步，艺术的审美欣赏并没有完结，还有一个审美创造阶段。就是通过审美的感知和审美的理解后，在对作品审美的基础上进行再创造，通过自己积累的审美经验、文化知识、主活阅历等进行丰富的联想、升发开去，再创造出一个新的意象来。这样，你才真正获得了启迪和教育，欣赏绘画才获得了真正的意义。

热心网友时间：2024-11-19 07:13

简笔画水果

热心网友时间：2024-11-19 07:13

首先我们先来了解观赏绘画的最简单方法。每当我们看一幅画的时候，我们应该先问自己一个问题， “为什么要画这幅画？”。然后我们应该去了解作品传达了什么样的文化背景。在不同的文化背景里，绘画试图传达的意思是不一样的。三，要看作品是否写实。在古典艺术（约公元前600年至公元300年）以及从文艺复兴（始于15世纪）开始到20世纪初这段时间里，能否真实地表现自然不仅至关重要，而且是对艺术家的一种挑战。当然绘画发展到今天，尽管我们可以问这样的问题，即一幅画是否像它所画的东西，但应该记住，当这个问题与某个作品毫不相关时，我们就不应该这样问。最后，我们要考虑它的构图设计，也就是看它如何使用颜色、如何运用形状。

观赏绘画的更进一步的方法——风格分析法，也就是说，不考虑作品的主题或技法，而只考虑纯粹的形式概念。其中沃尔弗林提出的原则帮助我们学习区分文艺复兴盛期艺术（15世纪晚期－16世纪早期）和巴洛克艺术（17世纪）。
第一对概念是“线性风格”和“非线性风格”
“线性风格”指所有人物以及人物形象范围内和范围外的一起重要物体都用线条清楚画出。画中每个实体（人或者非生命体）都有明确的边界，都很清楚。每个人物都是平等着力，像雕塑一般分明醒目。（文艺复兴）
“非线性风格”中，画中的人物不是平等着力，而是彼此交融，明亮的光线从一个方向射过来，把有些东西照亮，而另一些就显得黯淡。在黯淡的地方，轮廓消失了，画笔把单个的成分连接在一起，而不是把它们一个一个地区区分开来。（巴洛克）

第二对概念是“平行布局”和“退缩布局”。
“平行布局”的意思是绘画中的所有部分都安排在与该画表面平行的若干个平面上。（文艺复兴）
“退缩布局”中人物与画面形成角度，并向景深退缩，由此而主宰构图。（巴洛克）

第三对概念是“封闭结构”和“开放结构”。
文艺复兴绘画的“封闭结构”把所有人物都放在一幅画的框架之内，构图的基础是横线条和直线条，与画框的形状呼应，也适合于画框所确立的形式。“封闭结构”给人以稳定和平衡的印象，并带有某种对称的倾向。
巴洛克式的“开放结构”中，强劲的对角线与横平竖直的画框形成反差。对角线不仅体现在绘画的表面，而且向后伸展向远方。人物的形象不被局限于画框内，而是在边缘被切断。这让人感到空间是无限的。这是动态而不是静态的构图，它隐含这运动，并有瞬间的效果，与文艺复兴绘画的平稳恬静正好相反。

第四对概念是“多重性”和“统一性”。这一对概念最能体现出相对性，因为所有的名师巨作都必须这样或那样的“统一”。而沃尔弗林的意思是，文艺复兴绘画明显分成许多部分，每一部分都如雕塑群像般自成一体，每个部分有自己的独特色彩，画面中那种均匀散射的光可以把画中各个部分区分开，所以各独立单元的“多重性”就能够相互平衡。而巴洛克绘画更加具有一贯的“统一”，主要用直射的强光来做到这一点。所有的单元都融合为一，其中没有一个可以被分离开。色彩交替混杂，其明暗主要取决与光线的照射。

看到这里，我们应该明白沃尔弗林所说的文艺复兴时期的各种特征，其实是相互关联的：光线的漫射造成了清楚的轮廓，群雕般的造型、各自分开的组成元素和明确的局部色彩。同样，在巴洛克绘画中，一束强烈的光直射过来，加强了“统一性”（这是由穿透表面伸向纵深的持续不断的斜线造成的），融合了物体的形状，冲淡了局部色彩。

最后，我们要明白，沃尔弗林的绘画理论中用于形式分析的范畴是相对而不是绝对的。

应用这些最基本的原理，我们可以踏上艺术之旅了。

热心网友时间：2024-11-19 07:14

你提这个问题，说明你没有做好欣赏一幅好的绘画作品的打算。